VIDEOMETRY 10.05.06 > 01.07.06 |
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Eat Me (Devórame) es un film compuesto por dos tomas: La boca de un hombre chupa un objeto y la boca de una mujer que lame una salchicha de frankfurt. La edición de estas dos tomas sigue una progresión matemática. Al inicio del video, utiliza dos metros del película para cada toma, después de estas, hay un metro para cada una, seguido de cincuenta centímetros, y sigue así hasta el punto en el que se produce una fusión total entre los dos planos. El experimento del medidor-cinematográfico del último artista Lygia Pape (1927 – 2004), realizado en 1979, casi una década después de que el video empezara a ser una herramienta disponible para los artistas brasileños, antecedió lo que sucedería hoy en video arte. Eat Me no es sin embargo, como se muestra en este programa, un intento por mostrar una selección reciente de videos producidos por artistas brasileños. Pero edita métodos que rozan los efectos de redundancia y continuidad que, por ejemplo, traen consigo las prácticas del video arte en nuestros días. Las experiencias de medición y enumeración determinan en gran parte la búsqueda de nuestros días. El programa que aquí se expone se trata de una serie de proyectos en donde la cámara es usada como un dispositivo de cálculo y medida. Presenta sumas, multiplicaciones, restas, divisiones e incluso la deconstrucción de cualquier ecuación. Operaciones que se fijan por si mismas en el espacio como manifestaciones de la naturaleza, la música, el cuerpo, espacios urbanos, escenarios domésticos y relaciones sociales. Contar es el planteamiento central de I would prefer yes (Hubiese preferido un sí), de Marilá Daridot, que elimina, una a una, las letras de diez palabras, el significado de las cuales es siempre el de la negación. Es un sistema de enumerción a la inversa así que las letras son regresadas en su posición original con respecto al alfabeto. La cronometría (por completo fuera de orden, obviamente) es el dispositivo usado en Attempt (Tentativa) , de Camila Sosati, junto a otra “escala de colores” que aparece en este programa: se trata de la escala de color “Pantone” que aparece en Color Box (Caja De Color) de Marcio Botner. La escala métrica de Alice Meceli también aparece. En 99,9… meters sprint (99,9…metros de carrera), Miceli transfiere una pregunta matemática en el movimiento de la imagen: ¿Cuál es la distancia actual entre dos puntos dados? Aquí, el video forma parte de un trabajo en progreso llamado “Decimal Expansion Project” (Proyecto de expansión decimal) y se refiere al infinito, usando una cantidad de imágenes encontradas en las carreras de los Juegos Olímpicos. Sin embargo, el programa no se limita a sí mismo en esas rígidas líneas; el lugar parece un escape de lo rígido y estrecho. No es un deseo de equilibrar; sino que apunta más a la creación de una tensión entre las diferentes ideas artísticas. De hecho, uno puede mirar a las accidentales matemáticas de Meeting with (Satisfacer con) , el juego inventado por Laura Belem, en cuyas bolas blancas ficticias son seguidas, dibujando sus líneas sin que ningún encuentro les permita colisionar, en su curso atravesando el verde campo de la mesa de billar. Half turn, a turn and a half (Media vuelta, una vuelta y media) de Sara Ramo, mide la distancia entre el orden y el desorden de la vida doméstica. Mediante una marca fuera de trayectoria por objetos que rondan una habitación en un no-determinado espacio de tiempo, ella irrumpe su espacio personal con la meticulosidad de alguien que elabora una compleja operación. Con esta subversión enfocada, crea otros océanos de posibilidades. Desde esta ociosidad, ella encuentra la fábula. Las dos obras de Paula Gabriela investigan distancias – sea entre cuerpos o identidades. La cámara en Tube-tunnel (Tubo-tunnel) intenta establecer la distancia entre los cuerpos que se siguen sin alcanzar la satisfacción completa. Al final, lo que es evidente es la posibilidad de la transferencia de identidades, una situación que se repite de muchos modos en Homenagem a Goerge Segal ( Homenaje a Geoge Seagal ), de Leonora de Barros, un video que documenta la propia transformación progresiva del sujeto en una escultura de un artista por norte americano. De nuevo en Gotejando (Gotejando) de Bethy Moisés, que sugiere la idea de la generación sucesiva. El video graba un acto de dar, en donde los elementos del cuerpo son substraídos para dar ventaja al otro. Las experiencias de medida y ritmo continúan en la caja de edición. En Face to Face (Cara a cara) Kika Nicolela trabaja con las carencias de sincronía entre el sonido y el video. Los audios están mezclados alrededor, transformando estas declaraciones en la música que acompaña la imagen. Si Lidia Pape edita en metros, XY (XY) edita en marcos. La pieza es una carrera entre la masturbación masculina y femenina, que toma lugar utilizando marcos de 939 y 1640 respectivamente. Para esta biometría está añadido un trabajo documental que calcula el campo común más bajo entre la invención y la realidad. Marepe estira una excepcional danza fuera de cualquier situación banal – el ferviente equipo de football de su pueblo natal – donde la enumeración y el movimiento actúan unidos en una espectacular situación. Las acciones grabadas por Marcelo del Campo también los sitúa límites entre lo real y lo imaginario. En homenaje a Godard, A Bout de Souffle (Un combate de suflé) presenta una prueba de asfixia, que provoca las mismas dudas que la realidad de las imágenes de violencia y tortura programadas por la televisión. El video expone una preocupación entorno a los límites de la resistencia psicológica. Mientras unos provocan el infinito, otros proporcionan los límites. La cámara fotográfica todo Unus Mundus – Round the World (Unus Mundus - alrededor del mundo) por Cinthia Marcelle- se mueve entre lo banal y lo extraordinario. El vídeo comienza mostrando una escena típica en la cual “nada sucede” y que podríamos llamar “normal”. De la ausencia de nada, emerge un movimiento coreográfico de camionetas de acampar VW, que se mueven juntas, circundando una plaza de la ciudad. La rutina inexorable es trastornada por su propia repetición. Las piezas presentan la idea de círculo, el circuito, el regreso, el sistema, el lazo, que también aparece en las perfectas rotaciones de Lacrimacorpus (Lacrimacorpus) de Janaina Tschäpe, y es menos evidente en Richard (Richard) de Dora Longo Bahia y Anne Marie Peña , en donde el guitarrista nunca logra manejar dos armonías. División y compartir el espacio. Coexistencia pacífica en los grandes centros urbanos. Éstos son los desafíos que se presentan adentro Os Raimundos, os Severinos e os Franciscos (Los Raimundos, los Severinos y los Franciscos) de Dias & Riedweg, donde la gente comparte el espacio interno de un cubo, sin una vida que empuja o que disturba cualquier otra. El cubo reconstruye los cuartos en donde viven los porteros de los edificios de apartamento de lujo de Sao Paulo y las formas parten de una instalación montada para la 24th Bienal de Sao Paulo, haciendo por encima un retrato colectivo representado de historias personales. De alguna manera, el cubo se podía ver como una estructura. Estas vidas estan estructuradas dentro de los patrones de los patrones sociales. El marco es el area de investigación emprendido por Lucas Bambozzi en Postcards (Postales) . Su proyecto en progreso consiste en usar una cámara de vídeo para reconstruir las imágenes postales más conocidas de la ciudad que él ha visitado durante los últimos años. Desde el mismo ángulo o desde un punto de vista más amplio, las tentativas del artista son definir algo entre lo obvio y lo personal en cada imagen que es fotografiada. Dentro del globalizado paisaje, él busca lo regional. En BMG-8970 (BMG-8970), Raquel Kogan junto con la cámara fotográfica y el coche de Lea van Steen siguen un espejo instalado en el cuerpo de un camión. A una ciudad determinada, se agrega aquí una imagen invertida y móvil, qué crea una visión inestable y caótica del contexto urbano. En la visión de la ciudad, se crea una imagen invertida y móvil que produce una visión inestable y caótica del contexto urbano. La inestabilidad es el efecto también provocado por De revolutionbus orbium coelestim , por el dúo de Leandro Lima y de Gisela Motta, en el cual la cámara acompaña los movimientos de un niño que salta en una pelota. Fijado en el marco central, la bola representa la tierra, en el momento en que Copernico posicionaba el sol en el centro de Sistema Solar, teoría aún no aceptada. Haciendo un collage digital de las imágenes de la tierra según lo visto por el satélite, Leandro y Gisela juegan con la estabilidad del observador. Lia Chaia también desafía las escalas soplando encima de un globo impreso con las estrellas y nombrando su video Big Bang. Éstas son propuestas coincidentes con medios distintos: uno se ocupa de la tecnología, la otra con lo precario. Jugando con materiales baratos, perecederos y vulgares nos lleva otra vez a la generación de Lygia Pape, la cual, provocaba a través de preguntas políticas, negaba el espacio institucional y el sistema artístico, para lanzarse a sí mismo a la vida de cada dia e inaugurando una estética de lo precario que se encuentra en las cámaras de Lia Chaia, de Sara Ramo y de Camila Sposati. Es en los "defectos" y "precariedades", así como en la desarticulación de la tecnología las cualidades esenciales de estos trabajos estan escondidos. Paula Alzugaray Mayo 2006 |
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Eat me is a film composed in two takes: a man's mouth that sucks a round object and a woman's mouth that licks a hot dog sausage. The editing of these two takes follows a mathematical progression. At the start, it uses two metres of film for each take, after which, there is one metre for each, followed by 50 centimetres, and so on, until the point where there is a total fusion between the two plans. The cinematographical-measurement experiment of the late artist Lygia Pape (1927-2004), conducted in 1979, almost a decade before video became a tool available to Brazilian artists, predates what is happening today in videoart. Eat me is not however, being shown in this programme, one that intends to show a selection of recently produced videos by Brazilian artists. But its editing methods touch upon the effects of redundancy and continuity which, for example, bring together today's practices of video looping. Experiences in measurement and counting determine a large part of today's researches. The programme being shown presents a series of projects in which the video camera is used as a calculating and measuring device. It presents additions, multiplications, subtractions, divisions or even the deconstruction of any equation. Demeasurements. Operations which set themselves up in spaces as diverse as nature, music, the body, urban landscapes, domestic settings and social relationships. Counting is the central concern of I would prefer yes , by Marilá Daridot, which removes, one by one, the letters of ten words, the meaning of which is always that of negation. It is a system of counting that goes backwards so that the letters are returned to their original positions in the alphabet. The chronometry (completely out of order, obviously), is a device used in Attempt , by Camila Sposati, and other scales appear in this programme: the ‘Pantone' colour scale appears in Color box by Marcio Botner, and Alice Miceli's metric scale also appears. In 99,9... meters sprint , Miceli transfers a mathematical question into the moving image: what is the actual distance between two given points? Here, video forms part of a work in progress named the “Decimal Expansion Project”, and concerns itself with the infinite, using a found footage image of an Olympic race. However, the programme does not limit itself to the straight lines; instead it looks to escape the straight and narrow. It does not wish to level out; instead it aims to stress differences between artistic ideas. As such, one can look at the accidental mathematics of Meeting with , the game invented by Laura Belem in which fictitious white balls are followed, drawing their lines and noting the collisions they encounter along the courses they take across the green felt of a snooker table. Half turn, a turn and a half , by Sara Ramo, measures the distance between order and disorder in domestic life. By marking out the path traced by objects within a room in a non-determined space of time, she disrupts her personal space with the meticulousness of someone who is solving a complex operation. In this focused subversion, she creates other oceans of possibility. From this idleness, she finds the fable. The twosome of PaulaGabriela investigate distances – those between bodies, or identities. The camera in Tube-tunnel attempts to establish the distances between the bodies that are followed and overtaken without ever meeting. In the end, what is at play is the possibility of the transference of identities, a situation which repeats itself in many ways in Homenagem a George Segal , by Lenora de Barros, a video which documents its own subject's progressive transformation in a sculpture by the North-American pop artist. Or again in Gotejando, by Beth Moysés, which suggest the idea of successive generations. The video records an act of giving, in which the elements of a body are subtracted to the advantage of another. The experiences of measurement and rhythm continue in the editing box. In Face to Face , Kika Nicolela works with the lack of synchronicity between sound and video. Audio tracks are shuffled around, transforming statements into a musical accompaniment to the image. If Lygia Pape edited in metres, XY edits in frames. The piece is a race between masculine and feminine masturbation, taking place within 939 and 1640 frames respectively. To this videometry are added up the documental works that calculate the lowest common denominator between invention and reality. Marepe pulls an outstanding dance out of a banal situation – his home town's football team warming up – in which counting and movement click together in a spectacular situation. The actions recorded by Marcelo de Campo also situate themselves at the boundaries between the real and the imaginary. In homage to Godard, A Bout de Souffle presents a test of asphyxiation, which provokes the same doubts as the reality of the images of violence and torture broadcast by television. The video also exposes a concern about the limits of physical resistance. While some present the infinite, others provide the limits. The all-seeing camera in Unus Mundus – Round the World , by Cinthia Marcelle, operates between the banal and the extraordinary. The video starts by showing a typical scene in which “nothing happens” and which we have become used to calling “normal”. From the absence of anything, there emerges a choreographed movement of VW campervans, which move together, circling a town square. The inexorable routine is upset by its own repetition. The piece presents the idea of the circle, the circuit, the return, the system, the loop, which also appears in the perfect rotations of Lacrimacorpus , by Janaina Tschäpe, and is less evident in Richard , by Dora Longo Bahia and Anne Marie Peña, in which the guitar player never manages to escape the two harmonies. Division and sharing of space. Peaceful co-existence in the large urban centres. These are the challenges which are presented in Os Raimundos, os Severinos e os Franciscos by Dias & Riedweg, where ten people share the internal space of a cube, without one life jostling or disturbing any other. The cube reconstructs the rooms where the doormen of the rich São Paulo apartment buildings live and forms part of an installation mounted for the 24 th Bienal de São Paulo, making up a collective portrait pictured from personal stories. Somehow, the cube could be seen as a picture frame. These lives are framed within the patterns of a social group. The frame is the area of research undertaken by Lucas Bambozzi in Postcards . His project in progress consists of using a video camera to recreate the best-known postcard images of the cites he has visited over the past few years. From the same angle or from a wider point of view, the artist attempts to define something between the obvious and the personal in each image that is photographed. Within the globalised landscape, he looks for the regional. In BMG-8970 , Raquel Kogan and Lea van Steen's camera and car follow a mirror installed in the body of a truck. To a framed city, it is added here an inverted and moving image, what creates an unstable and chaotic vision of the urban context. In the visualisation of the city, there is created an inverted and moving image creating an unstable and chaotic vision of the urban context. Instability is the effect also provoked by De revolutionbus orbium coelestium , by the duo of Leandro Lima and Gisela Motta, in which the camera accompanies the movements of a child jumping on a ball. Fixed in the central frame, the ball represents the Earth, at the time when Copernicus' positioning of the Sun at the centre of the solar system still wasn't accepted. By making a digital collage of images of the Earth as seen by satellite, Leandro and Gisela play with the observer's stability. Lia Chaia also challenges the scales in blowing up a balloon printed with stars and calls her video Big Bang . These are coincidental proposals with distinct mediums: one deals with technology, the other with the precarious. Playing around with cheap, perishable and vulgar materials takes us again to the generation of Lygia Pape, which, stimulated by political questions, negated the institutional space and the art system to launch itself into everyday life and inaugurate an aesthetic of precariousness which is found in the cameras of Lia Chaia, Sara Ramo and Camila Sposati. It is in the “flaws” and the “defects”, and in the disarticulation of technology that the essential qualities of these works are hidden. Paula Alzugaray May 2006 |
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